Hablar de Susanne Kirchmayr, es referirse a una de las mujeres más representativas de la música electrónica, no solo en su ciudad natal, Viena, sino alrededor del mundo. Ella, quién ha estado en más de treinta países europeos, recorriendo el mundo con su propuesta musical, como Electric Indigo, a la cual se le ha catalogado como un proyecto inteligente que no busca encasillarse en el techno pistero, es de esas artistas que concibe su música como una pieza de arte, formando parte de obras de teatro y siendo parte de soundtracks de algunas películas, donde ese ritmo atemporal y sutil suele apreciarse cuando es invitada por un festival o club.
Aprovechando que estará debutando en nuestro festival FREEDOM, la artista aceptó responder algunas preguntas de sus fans colombianos.
Juan Ramírez: Eres una dama de la música. ¿Qué te motivó a incursionar en el género electrónico?
Comencé a ser DJ con funk, soul, hip-hop y jazz a finales de los años ochenta. Toqué mucha música de los años setenta, además de un poco de hip-hop contemporáneo. Probablemente, alrededor de 1991 ya no me gustaban tanto los nuevos lanzamientos de hip-hop, y de alguna manera estoy un poco harta de tocar viejas canciones. Cuando descubrí la música electrónica, el techno de Chicago y Detroit en particular, ¡fue como una revelación para mí! Por un lado, era como la esencia de lo que siempre me ha gustado en la música de club: batería, bajo, funk. Por otro lado, ¡finalmente pude sumergirme nuevamente en la música contemporánea y actualizada! ¡Qué alivio! Desde entonces, reproduzco nuevos o al menos nuevos lanzamientos. No me importa si otras personas tocan melodías clásicas de house o techno, puede ser divertido, pero no lo haría.
¿Y cuánto tiempo duraste en encontrar un sonido que te caracteriza?
Fui totalmente acuñada por mis años en la tienda de discos Hard Wax, en Berlín. Trabajé allí como vendedora y comprador entre 1993 y 1996. Esa era mi escuela, por así decirlo, en términos de gusto y actitud musical con respecto al DJ y la producción de música, así como toda la escena/negocio.
Andrés Palacio: ¿Cómo piensa representar su show en la escena paisa, logrando no solo una danza impecable sino también hacernos ver la esencia del sonido allí plasmado?
No puedo planear esto, generalmente sucede, al menos con un poco de suerte… Ya me han dicho que a la gente en Colombia le encanta bailar y, según tengo entendido, prefieren los ritmos más bien fuertes. Así que seré cauteloso al tocar canciones más experimentales. Pero la mayoría de las veces, me funciona bastante bien hacer que la gente baile con música no tan obviamente orientada a clubes o fiestas. La magia siempre pasa en la mezcla. Intentaré deslizar algunas pistas inusuales que no coincidan con lo que comúnmente se percibe como “techno”. Si funciona bien, agregaré más, si no coincide, tocaré un poco más convencional, pero, aun así, de una manera que es típica para mí.
Juan Camilo Posada: ¿Qué intenta transmitir a través de su música?
Espero poder transmitir entusiasmo y entusiasmo por el sonido y el espacio. Idealmente, hay dos cosas que quiero lograr: un flujo que puede trascender el tiempo real y el espacio físico y/o un sentimiento trippy o estimulante, que proviene de la escucha atenta de sonidos exquisitos.
¿Qué ideas tiene o la motivan para su set en el mejor festival de Colombia?
Por favor, vean también mi respuesta a Andrés Palacio. Aparte de esto, debo decir que me encanta viajar y descubrir lugares y me siento sumamente privilegiada de poder combinar esto con tocar música y ganarme la vida. Esto solo es una gran inspiración, pero lo que más me motiva, es ser parte de una comunidad internacional; me siento conectada a diferentes tipos de personas de diferentes orígenes. Formar parte de una formación internacional de artistas que realmente me gustan, es lo mejor que me puede pasar para darme cuenta de esto. Tengo muchas ganas de escuchar sus sets, soy amiga de algunos de ellos, Aleja Sánchez y Antenes, por ejemplo, y casi no puedo esperar para encontrarme con ellas nuevamente en el Freedom Festival.
“Por encima de todo, siento que todavía es importante aumentar la visibilidad de las artistas trans, no binarias y femeninas, y hacer que la información esté disponible”.
Paula Diaz: Desde tus inicios en la música hasta el día de hoy, ¿crees que ha habido una transformación de la escena electrónica en términos de género e inclusión?
Sí, claramente hay muchas más mujeres tocando y haciendo música. El tema de la diversidad se ha convertido en un tema de moda en ciertos círculos y medios.
¿Cuáles han sido los obstáculos a la hora de materializar un proyecto como lo es female:pressure? Y después de 20 años de labor, ¿cuáles son las nuevas propuestas y proyecciones dentro del colectivo?
En realidad, no veo ningún obstáculo en la realización del proyecto female:pressure. Preferiría decir que se facilitó cuando el internet se volvió tan común a mediados de los años noventa. Es solo una gran cantidad de detalles que deben recopilarse, comunicaciones que deben realizarse y que el sitio web, el blog, la base de datos y la lista de correo, deben mantenerse más o menos todos los días durante más de 20 años. Pero me parece que este tipo de trabajo es gratificante: es bueno estar en contacto con otros activistas en la escena. Por encima de todo, siento que todavía es importante aumentar la visibilidad de las artistas trans, no binarias y femeninas, y hacer que la información esté disponible.
Foto: Christian König
Con el crecimiento de la red y el auge de las redes sociales, las posibilidades cambiaron y crecieron, por supuesto. En general, las propuestas y los proyectos dependen totalmente de la iniciativa y la actividad de los miembros solteros. Female:presure es una red no jerárquica, por lo que no hay un plan o proyecto decretado desde arriba. Me gusta verlo como una herramienta, como una infraestructura que pueden usar sus miembros y el público por varios motivos: puede obtener información, consejos, hacer preguntas, ponerse en contacto con personas de diferentes lugares o escenas, iniciar una discusión y deliberar colectivamente sobre temas. Y puede comenzar proyectos especiales y encontrar colaboradores si su propuesta resuena dentro de la red. Un ejemplo reciente de un proyecto tan especial, es nuestra serie de podcast: algunos miembros pensaron que female:pressure podcast sería una gran idea. Un miembro, Niet!, escribió desde Madrid que estaba dispuesta a coordinar las aplicaciones y tratar de subir las mezclas a nuestro SoundCloud. Luego discutimos otras posibilidades para publicar las mezclas porque el plan gratuito de SoundCloud es muy limitado en cuanto a la duración de los archivos de audio publicados. Otra miembro, Ksenia Kamikaza de Riga, se ofreció a pagar un plan profesional y ella lo hizo. Cuido la página de WordPress y nuestro miembro Lapkat de Melbourne, publica los mixes en nuestro Mixcloud. :-)
¿Qué razones motivaron la decisión de iniciar un colectivo para resaltar el trabajo de artistas femeninas y transgénero al rededor del mundo?
La razón principal es que muchas veces me enfrentaron con la ignorancia acerca de las artistas femeninas. La gente se asombró al verme como una DJ y regularmente comenzaron a hacer preguntas sobre el hecho de que hago esto como mujer y sobre otras artistas similares en el campo. Estas discusiones usualmente ocurrieron a las 2:00 a.m. aproximadamente, justo antes de un set o justo después de un nivel de sonido de 100 + dB… Quería crear una fuente de información a la que me pueda referir fácilmente en situaciones en las que las personas pueden encontrar más información sobre otras artistas femeninas, no binarias y trans en este campo aparentemente dominado por hombres.
“En mis sueños, puedo bailar y elevarme de maneras espectaculares e interpretar la música adecuadamente. El sonido tiene que ver con el espacio y las interacciones con superficies resonantes, cuerpos, membranas, pero también con el movimiento”.
MedellinStyle:
¿Podría describir su proceso creativo sobre la base de una pieza o álbum que es especialmente querido para usted? ¿De dónde vinieron las ideas, cómo se transformaron en tu mente, con qué empezaste y cómo refinaste estos inicios en la obra de arte terminada?
Todas las piezas del álbum se produjeron de una manera bastante similar. Bastantes (“Excursion”, “Trois”, “Ntandathu”, “Sept”) se basan, al menos en parte, en grabaciones de personas que cuentan de 0 a 15 años. Estas pistas pueden verse como obras derivadas de una composición que realicé en 2012: “Chiffres”. Eso es bastante típico; para mis composiciones experimentales y actuaciones en vivo, me gusta tener un punto de partida o un concepto muy claro. En el caso de “Chiffres”, la idea central era crear todos los sonidos de la pieza a partir de grabaciones de personas que contaban en su lengua materna. Tenía más ideas conceptuales, pero el punto es que creé mucho material de sonido de esta manera, pero no pude agotar por completo las posibilidades de transformar esta materia prima básica en este proyecto. Así que seguí trabajando con él durante otros cinco años…
A menudo, me resulta particularmente difícil llegar a un estado de “obra de arte terminada”. Siento que estas pistas son siempre una instantánea de lo que funciona en un determinado momento y estado de ánimo. Pero para un lanzamiento, tienes que llegar a un final en algún momento. Entonces, dependo totalmente de los plazos ;) Y es muy útil para mí escuchar las canciones casi terminadas con un confidente. Esto ayuda a crear una nueva distancia que es necesaria para juzgar y tomar decisiones. Después de eso, si tienes suerte como si estuviera con 5 1 1 5 9 3, ¡tienes a una persona como Rachad Becker, que hace magia extra con la masterización!
¿Podría llevarnos a través de un día en su vida, desde una posible rutina de la mañana hasta su trabajo? ¿Tienes un horario fijo? ¿Cómo se relacionan la música y otros aspectos de tu vida? ¿Los separas o, en su lugar, intentas que se mezclen a la perfección?
No tengo un horario fijo y el horario de un día depende de si estoy viajando o no. El año pasado estuve mucho tiempo en la carretera o en el aire, y estos tiempos de viaje se caracterizan por la falta de sueño y las irregularidades generales. Pero si estoy en casa, generalmente me levanto no muy tarde en la mañana, me tomo al menos una hora o dos para tomar un buen té verde japonés, hacer algunas cosas de la casa (soy una persona muy buena) y leer y contestar correos electrónicos administrativos. Después de eso, puedo comenzar con el trabajo “real” en mi estudio, donde tengo un escritorio enorme de mi abuelo y todo el equipo de mi estudio. La mayoría de las veces, tengo una fecha límite próxima y un proyecto en particular en el que tengo que trabajar. En este momento, estoy trabajando en una nueva pieza llamada Ferrum, para la cual grabé sonidos de objetos metálicos. Ahora estoy organizando mis muestras y comienzo a crear sonidos a partir de ellas. Quiero desarrollar una forma generativa para organizarlos y crear ritmos con ellos. La próxima semana será intensa porque presentaré una primera versión corta para la transmisión de radio internacional para el “Art’s birthday” a mediados de enero.
Hay muchas descripciones del estado mental ideal para ser creativo. ¿Cómo es para ti? ¿Qué apoya este estado mental ideal y qué son las distracciones? ¿Existen estrategias para entrar en este estado más fácilmente?
Siento que hay dos formas fundamentalmente diferentes de ser creativo. Uno es difícil de comprender, ocurre sobre todo en el fondo y es fomentado por el tiempo de inactividad. Las ideas vagas comienzan a crecer de esta manera, surgen nuevas cosas. El otro modo es muy concreto y se trata de hacer las cosas de una manera satisfactoria. Esto es cuando creo los sonidos reales, cuando intento realizar mis ideas. Necesito privacidad, inspiración y, muy importante, habilidades para hacer algo nuevo. Por lo general, estoy un poco adelantada con mis ideas y mis habilidades se retrasan. Esto conduce a un proceso de aprendizaje constante, que me parece bastante emocionante e inspirador en sí mismo.
Necesito tener una mente libre para ser creativa. Si sé que hay otras cosas urgentes que hacer, me es muy difícil olvidarlo. Así que tiendo a hacer cosas administrativas y burocráticas primero.
“Escuchar una pieza musical que conoces desde hace mucho tiempo, puede desencadenar emociones de tu infancia u otros recuerdos del pasado. Creo que es por eso que la música popular es más convencional: puede tirar de los disparadores de más personas y se percibe como más emocional”.
¿Cómo se conecta la música en vivo y la escritura en el estudio? ¿Qué logras y sacas de cada experiencia personalmente? ¿Cómo ve la relación entre improvisación y composición a este respecto?
Como mencioné anteriormente, a menudo creo primero borradores y materiales para nuevos conciertos. Estos llevan a una mayor exploración y trabajos derivados, los ejemplos más significativos de mi pasado son “Chiffres”, “109.47 degrees” y “Barry Duffman”. Las tres obras nunca se grabaron realmente, solo se realizaron en vivo un par de veces o solo una vez, pero conducen a nuevas pistas y otros proyectos.
Con otras actuaciones en vivo, como la actual 5 1 1 5 9 3, que trata de presentar mi álbum en un sonido envolvente y con mis propios videos, la experiencia es diferente. Allí, exploro las variaciones del material existente que lo conforma de una manera más inmersiva, agregando un poco de material de improvisación. La improvisación siempre puede llevar a nuevas ideas. Es de alguna manera mi patio de recreo. Sin embargo, en los últimos años no improvisé mucho en mis sets en vivo. La mayoría de ellos tenían una estructura conceptual demasiado estricta para permitir la improvisación.
Nuestro sentido del oído comparte conexiones intrigantes con otros sentidos. Según su experiencia, ¿cuáles son algunas de las superposiciones más inspiradoras entre los diferentes sentidos, y qué nos dicen acerca de la forma en que funcionan nuestros sentidos? ¿Qué sucede para sonar en sus fronteras más externas?
Culturalmente, la mayoría de nosotros estamos muy determinados por nuestro sentido visual. Por lo tanto, no es sorprendente que los proyectos audiovisuales sean una práctica común y que la visualización del sonido pueda ser muy fructífera. En general, sin embargo, soy bastante purista y me resulta más gratificante concentrarme en algo que estar abrumado por muchas cosas diferentes que suceden en muchos niveles al mismo tiempo. En resumen: el enfoque de escucha profunda de Pauline Oliveros me atrae más que el “Gesamtkunstwerk” de Wagner.
Pero lo que realmente me parece interesante es el aspecto físico del sonido y cómo podemos percibir y traducir esta experiencia con nuestros cuerpos. En mis sueños, puedo bailar y elevarme de maneras espectaculares e interpretar la música adecuadamente. El sonido tiene que ver con el espacio y las interacciones con superficies resonantes, cuerpos, membranas, pero también con el movimiento. Así que hay muchos aspectos físicos diferentes involucrados en la música y su percepción, y me encantan las presentaciones de danza, ya sea que estén organizadas profesionalmente o improvisadas en una pista de baile del club.
En cierto modo, es notable que hayamos llegado al siglo XXI con el concepto básico de la música aún intacto. ¿Tienes una visión de la música, una idea de qué música podría estar más allá de su forma actual?
Creo que una razón por la que la música es relativamente conservadora, es que funciona como una memoria cultural y personal. Las tradiciones a menudo vienen con ciertas piezas de música y, hasta donde sé, antes de las escrituras, las sociedades conservaban su historia principalmente transmitiendo canciones a las próximas generaciones. Escuchar una pieza musical que conoces desde hace mucho tiempo, puede desencadenar emociones de tu infancia u otros recuerdos del pasado. Creo que es por eso que la música popular es más convencional: puede tirar de los disparadores de más personas y se percibe como más emocional. Las nuevas formas de música revolucionarias son probablemente difíciles de comprender y “desagradables” al principio y, por lo tanto, es posible que aún no hayamos oído hablar de ellas. ¿Tal vez ya está en algún lugar?
Entrevista organizada por Mauricio Atencia.
