Robert Henke, quien durante la época de los noventa era un jugador nocturno entusiasta de la emergente escena rave alemán, de día se la pasaba como programador de software mostrando su capacidad, teniendo acceso a sintetizadores y computadoras que no existían fuera de las instituciones académicas, pero gracias a sus estudios enfocados en ciencia de la computación, tuvo la posibilidad de manipular sonidos digitales complejos y crear capas sincronizadas de música, percatándose que, aunque su trabajo era desarrollar software, él podría unir su mundo nocturno con una estructura rígida y rítmica que lo hacía amar los clubes, con evoluciones complejas de sonidos adquiridos durante el día.
Él, considerado como una de las piezas claves de darle una vuelta al techno con matices más dub y submarinos, conoció a Gerhard Behles, otro programador del Elektronische Studio en la escuela técnica de Berlín, y juntos crearon una aplicación llamada PX-18, permitiéndoles crear música electrónica improvisada basada en patrones en un entorno en vivo para formar su aclamado proyecto Monolake, destilando un montón de sonidos minimalistas que terminaron definiendo el camino del sello Basic Channel.
Tanto Henke como Behles querían más de la música electrónica. Querían llevar todo a un nuevo nivel. Fue así como el dúo, luego de crear su software PX-18, decidieron fundar en 1999 uno de los programas que cambiaria la forma de crear música en vivo sin tener que llevar sus máquinas a todos lados. Ableton Live, que nació como un programa para satisfacer sus necesidades, terminó siendo un éxito digital, permitiéndole a los productores crear shows increíbles en vivo.
Aprovechando su primera visita a Colombia y a nuestro festival, conversamos con él.
Siento que no podemos empezar esta entrevista sin hablar primero de dub techno. ¿Cómo era el ambiente, la energía y el amor que se vivía cuando empezaron a querer darle un nuevo aire al techno que termino siendo catalogado como un nuevo subgénero de la música electrónica?
Personalmente nunca me gustó tanto el dub techno como el género, pero estaba en Basic Channel debido a cómo sonaban, y porque todo era un flujo interminable. Todos podríamos estar de acuerdo en que esta era música futurista, debido a todas las cosas que ‘no’ estaban presentes en ella. La reducción y el gran sonido masivo, ese era el núcleo.
¿Con quién te la pasabas todo el tiempo buscando nuevas formas de crear música?
Estaba estudiando informática en la Universidad Técnica, aquí en Berlín, y tenía un estudio para música electrónica con un gran sintetizador modular, con computadoras y todo tipo de máquinas interesantes, y aún más importante: un fantástico archivo de música generada por computadora desde la década de 1960. Y cuando volví a casa, intenté reproducir algunos de esos sonidos.
Luego de descubrir que lo que estabas haciendo era diferente y mucho mejor, ¿qué paso después? Es decir, ¿qué tanto tiempo te tomo a ti y tus amigos en mejorar un sonido que pocos estaban experimentando?
No descubrí que era mucho mejor. Gerhard Behles, mi socio de Monolake y ahora CEO de Ableton, y yo, solo estábamos jugando y tratando de hacer las cosas que nos gustaban. Parte de la música que hicimos resonó con la gente de Hardwax, y otras cosas eran demasiado abstractas.
Descubrir que la música en un club tiene una calidad escultórica que se trata de celebrar el momento y no pensar en el pasado, el futuro o incluso, la próxima hora, es genial. Solo ser y experimentar el sonido, y mucho bajo.
Siempre hay una historia detrás de algo que se esta viviendo por primera vez. ¿Qué historia puedes contarnos sobre el dub techno?
Para mí es la historia de la atemporalidad. Descubrir que la música en un club tiene una calidad escultórica que se trata de celebrar el momento y no pensar en el pasado, el futuro o incluso, la próxima hora, es genial. Solo ser y experimentar el sonido, y mucho bajo.
¿Actualmente cómo ves el género? ¿Qué te enamora y qué te hace perderle un poco el amor?
Como con todos los géneros, una vez que se convierte en una fórmula, pierde su magia. Pero, curiosamente, los primeros discos de Basic Channel y Rhythm and Sound, nunca pasan de moda. Probablemente, porque de alguna manera también eran “inocentes”. Y todo lo que se produjo más adelante en ese género, ya se basa tanto en un plan existente que se hace difícil mantenerse creativo en tal situación. Es por eso que ahora estoy haciendo cosas completamente diferentes, música diferente, arte diferente.
Tradicionalmente, antes el artista quería controlar hasta el último detalle todo sobre su obra y música. Hoy en día, y con tanta tecnología es difícil controlar las cosas, pero es positivo por el alcance que tiene la música, sin embargo, entre todo ese alcance, es fácil que desaparezca. ¿Cómo ve la cuestión de lo rápido que la era digital ha cambiado el panorama análogo? ¿Qué rescata de lo viejo y valora de lo nuevo?
El arte requiere maestría y magia. El dominio proviene de comprender sus herramientas y encontrar formas de usarlas de una manera nueva. La magia es la parte que a veces sucede y no se puede describir. Cuantas más herramientas se puedan usar, más tiempo llevará dominarlas y más difícil será tomar decisiones. Por lo tanto, la magia es a menudo más fácil de lograr cuando se usan herramientas relativamente simples. Esa es la parte difícil de hoy: ¿Cómo reducir sus elecciones de tal manera que el arte pueda volver a ocurrir?
En ese sentido, ¿qué balance hace entre la descarga digital y la música en formato físico? Algunos parecen estar más interesados en tener un montón de gigas de música que ni han escuchado, mientras otros pueden ver una caratula, sonreír y saber que tan buena o mala es la música.
Creo que es solo una cuestión de edad y experiencia personal. Para mí, una portada es importante, y me gustan los productos físicos, pero para las personas más jóvenes ya no parece ser importante. Sin embargo, aman la música tanto como yo. Entonces, hay espacio para todos nosotros 🙂
En 2007 usted público un ensayo sobre reflexiones acerca de la interpretación de la música electrónica en directo. Antes de empezar el ensayo, usted habla del portátil como una super herramienta de trabajo que algunos denigran porque es un portátil, todo es digital y no es tan hermoso como lo análogo. ¿Por qué cree que una herramienta digital es igual de importante que un instrumento análogo?
No importa. Todo instrumento musical es tecnología. Una flauta no crece en un árbol, alguien tiene que hacerlo. Una computadora es igual. Toda la discusión sobre lo analógico versus lo digital no tiene sentido. Al final, lo que cuenta es el resultado. Si alguien necesita un estudio lleno de máquinas de los años setenta, para hacer música, genial. Si alguien solo necesita una computadora portátil, también es genial. Un mal patrón en una computadora de tambor, es malo, incluso en una TR-808. Un buen patrón es bueno, incluso en algunas aplicaciones aburridas de iPhone.
El arte requiere maestría y magia. El dominio proviene de comprender sus herramientas y encontrar formas de usarlas de una manera nueva. La magia es la parte que a veces sucede y no se puede describir. Cuantas más herramientas se puedan usar, más tiempo llevará dominarlas y más difícil será tomar decisiones.
Usted dice que la computadora portátil no es el instrumento, el instrumento es invisible, asegurando que son instrumentos tocados por una banda invisible y lo único que se ve es al interprete que realiza su trabajo. El punto es, ¿por qué la gente se emociona más viendo como el intérprete se mueve por un montón de máquinas análogas que mover el dedo y tener su mirada fija en una pantalla (software)?
Porque somos seres físicos. Tenemos cuerpos y entendemos y podemos leer los movimientos de los cuerpos. Alguien que “baila” frente a un montón de equipos, está irradiando un estado de ánimo mucho más fuerte que alguien que opera un track pad. Y cuando vemos un concierto, también queremos tener una idea sobre la persona que está creando. Cuanto más podamos entender el proceso, mejor. Lamentablemente, aquí también hay problemas prácticos. Viajar con mucho equipo es un lujo que muchos no pueden permitirse.
Usted más que nadie fue testigo de lo que era presenciar un show en vivo con un montón de máquinas donde una persona tenía que mover un montón de botones, perillas y teclas para hacerte bailar, y en ese camino usted también fue testigo de la tecnología y todas las herramientas que podía encontrar en un portátil. ¿Qué tan difícil fue cambiar de chip para usted y saber que no necesitaba tantas máquinas y sí una herramienta como el portátil que podía ayudarle?
El gran desafío era encontrar una buena forma personal de actuar que me permitiera sentirme cómodo con lo que estaba haciendo. Necesita desarrollar diferentes conceptos con diferentes herramientas. Al final, mi música se benefició, pero tuve que aprender mucho.
En este camino de tener un software en un portátil que podía ayudarte a reemplazar varias máquinas, usted tuve la gran idea de darle luz a Ableton Live para sus shows como Monolake con Gerard Behles. ¿Cómo fue dominar la primera versión? ¿Fue igual de fácil que leer el manual de una máquina?
La primera versión de Ableton Live era tan limitada que era muy fácil de usar. Supongo que parte del éxito provino del hecho de que fue simple. Los buenos instrumentos a menudo tienen cierta simplicidad. Hace veinte años, las computadoras eran realmente lentas, no se podía hacer mucho. Eso estuvo bien en realidad. Nos obligó a encontrar maneras de hacer mucho con recursos muy limitados.
¿Tuviste algún momento en que pensaste que la cosa no iba funcionar? Digo, tal vez hubo momentos en que sentías que les faltaba aprender algo más para para poder terminarlo.
Sabíamos que funcionaría técnicamente. No sabíamos qué tan bien funcionaría económicamente. En realidad, funcionó bastante bien 🙂
¿Y cómo fue el tema de alcanzar el aspecto de la improvisación dentro del software?
Ese fue el núcleo de todo lo que hicimos en el estudio, y aquí es donde cierto estilo de producción de doblaje es relevante nuevamente. Usando el estudio como instrumento. Entonces, cuando comenzamos a trabajar en Ableton Live, estaba claro que tenía que ser bueno para improvisar, o no es interesante para nosotros.
El club en sí, también es un espacio que a menudo tiene cualidades que también encontrarás en un museo: un foco, un entorno dedicado a experimentar una cosa con menos interrupción del mundo exterior.
Si Ableton Live fue un antídoto para el problema de los artistas que no podía transportar sus máquinas a tantos lados. ¿Qué tan difícil fue que los artistas entendieran lo bueno que podía ser la herramienta?
Como de costumbre, algunos lo usaron muy rápidamente de maneras impresionantes, incluso en formas que no anticipamos, y para otros fue más complicado.
¿Qué le debe Robert Henke a Ableton Live y viceversa?
Le debo a Ableton Live una situación que me permite hacer cosas sin pensar primero en el dinero. Esto me ayuda a explorar cosas nuevas, como mi láser funciona o el proyecto con computadoras viejas. Supongo que, sin mí, Ableton Live no sería el software orientado al rendimiento en vivo en el que se convirtió.
¿Cómo es eso del Surround 4.1 y qué usted tiene un software especial?
Es simple, solo unos pocos dispositivos Max4Live que me permiten colocar sonidos en el espacio. La pregunta más interesante es qué sonidos y cuándo. El lado técnico no es tan complejo.
Pasando del formato ordenador a la pantalla, usted ha tenido una fuerte relación entre la música, lo digital, las proyecciones y obras de arte. ¿Cómo la forma de entender cada cosa por separado le ha ayudado a crear una conexión completa donde todo está conectado?
Para mí siempre está conectado. Como dije antes, la música en un club con esta idea de atemporalidad tiene mucho en común con la escultura. El club en sí, también es un espacio que a menudo tiene cualidades que también encontrarás en un museo: un foco, un entorno dedicado a experimentar una cosa con menos interrupción del mundo exterior.
En ese aspecto de relación entre lo visual y lo sonoro, ¿cuál ha sido el reto más grande?
Por ejemplo, para mi proyecto Lumiere, fue de hecho la programación de mi propio software de control láser. Para el proyecto AV CBM 8032 con las computadoras antiguas, el desafío era lograr que las máquinas viejas funcionen sin problemas. Y luego, siempre hay pequeños y grandes desafíos artísticos. Cosas que uno quiere lograr, pero no suenan ni se ven bien, independientemente de lo que intente. Luego se debe dar un paso atrás y quizás intentarlo de nuevo al día siguiente.
Mi compañera Susanne, también conocida como Electric Indigo, me dijo que es increíble –el Freedom– y que la gente está muy eufórica y que me encantará la naturaleza. Yo confío en ella. Así que voy 🙂
Usted ha creado algunas instalaciones. ¿hay algo más que le gustaría hacer? ¿Cuál sería el siguiente nivel para usted?
De hecho, me gustaría tener más tiempo en el estudio. Viajar y trabajar en el estudio son contradictorios. El siguiente nivel sería un año sin conciertos. Estoy un poco bromeando, pero solo un poco.
El otro año estarás en Colombia por primera vez. ¿Qué lo motivo a visitar el país?
Mi compañera Susanne, también conocida como Electric Indigo, me dijo que es increíble y que la gente está muy eufórica y que me encantará la naturaleza. Yo confío en ella. Así que voy 🙂
Por ahí leí que no eres alguien de bailar a menos que estés borracho. Y que cuando estas en un club, prefieres escuchar la música y observar a la gente. ¿Cómo cambia esta sensación mientras estas ofreciendo tu live?
Cuando toco en vivo y me divierto, realmente bailo detrás de mi computadora portátil… Así que ese es un modo de trabajo diferente 🙂
En nuestro festival estarás con todo tu arsenal. Son poquitas máquinas (risas). ¿Qué tan importante son para ti y cómo te ayudan a fluir más cuando la gente te ve en vivo?
Uno de los conciertos más horribles que tuve fue en un gran salón lleno de cinco personas. Tres de ellos detrás de la barra. Los mejores conciertos que suelo tener en espacios muy concurridos. Tener mucha gente entusiasta a mi alrededor definitivamente ayuda. Me vuelvo más aventurero cuando la gente reacciona positivamente a mi sonido. Y la mayor parte del tiempo. En cuanto más riesgo corro y cuanto más sigo mi estado de ánimo, mejor se pone. Así que espero crear tal resonancia 🙂
Para terminar, añade un concepto al frente de cada palabra:
Electric: Guitarra, nunca lo toque. Demasiada historia del rock.
Indigo: Color azul muy oscuro. Conozco a un DJ, ella solía trabajar en la tienda de Hardwax, su nombre de artista es Electric Indigo. Nos besamos una vez en 1997. Todavía lo hacemos.
Surround: Me gusta estar rodeado de sonido. Entonces creo música rodeado.
Nerds: Aquellos con gafas escribiendo cosas crípticas. Me identifico con ellos.
DJs: Vienen en todos los sabores, desde horribles hasta adorables. Ver también a Electric Indigo para la parte adorable.
Showman: Yo con un disfraz, mucho brillo… espera, nunca hago esto.
Mainstream: Cada underground se convierte en mainstream si a muchas personas les gusta.
Rave: Lo siento, olvidé mis pastillas, no puedo responder esta pregunta ahora.
Underground: Cada corriente principal una vez estuvo bajo tierra.
Club: Nave espacial atemporal, oscura, ruidosa, eufórica.
Festival: Lo siento, realmente necesito pasar la cola del baño ahora, tocó en dos minutos. Lo siento… gracias… lo siento…
Producer: Yo, estudio, toneladas de asistentes, automóvil grande, pero no puedo conducir tan bien. O: ese tipo que nunca sale, come mierda, ¡Qué!
Dancer: Yo, borracho, durante diez minutos. Luego de vuelta a la esquina, pero fue divertido, de verdad.
Misión: Sonido.
Machines: ¿Cuánto espacio tenemos?
Replicantes: Me gusta tu búho.
AI: ¿Es artificial? Por supuesto que es. ¿Costoso? Muy.
Android: Paranoico.
Transgénero: Los amo a todos.
VR: Estoy bastante seguro de que no soy real y esto es una simulación preguntándome cómo se ve al otro lado.
Matrix: Regla de caracteres verdes.
Entrevista por Mauricio Atencia.