Angelika Lepper, también conocida como Acid Maria, es una artista que desde sus inicios en la música electrónica se ha caracterizado por perseguir sonidos electrónicos más bailable sin dejar de lado ese ambiente experimental, el cual a lo largo de su carrera la ha llevado a ser residente de algunos clubes como Ultraschall, Harry Klein, o Alcatraz, donde comenzó su carrera como DJ Anki y ha estado en diferentes festivales y clubes de Europa y Sudamérica.
Ella, quien desde finales de los noventa es una pieza clave de la plataforma female:pressure junto a Electric Indigo, ha demostrado que su interés por la escucha, las intersecciones y las áreas de fricción entre diferentes estilos y épocas, le han servido para tener los ojos y oídos abiertos para las subculturas y conceptos estéticos, así como intrigantes superposiciones con otras artes mediáticas como códigos y modos de expresión, gracias a su trabajo y estudios como Media Art, filosofía y estética, lo cual ha conectado por medio del cine y las artes visuales con un enfoque en piratería, modding, flexión de circuitos y estrategia artística.
Aprovechando su debut en Colombia y en nuestro festival FREEDOM 2020, conversamos con ella para conocerla un poco más.
Antes de hacerte llamar como Acid Maria y recorrer frecuentemente diferentes lugares del mundo, empezaste como DJ Anki en las noches de Jockey Slut Night. Cuéntanos qué tan difícil fue ganarte un lugar para tocar en las noches más populares del club Alcatraz.
Múnich es más bien un pueblo grande que una ciudad: a principios de la década de 1990, todos los que participaban activamente en la vida del club se conocían. El inquilino del Alcatraz Club me preguntó si quería pinchar los lunes por la noche, no exactamente las fechas en que se podía esperar una gran cantidad de visitantes. Pero me hice cargo de las tardes y me mantuve atenta. Fue una gran oportunidad para tocar frente a personas con equipos profesionales y adquirir experiencias como DJ fuera de un entorno más privado.
En el club, la gente dejó de escuchar piezas, los sonidos continuaron, la música en la pista de baile fue diseñada para ser infinita, y eso creó nuevos grupos sociales que se entregaron a este tipo de música cada fin de semana, fundamos un círculo de enjambre de entusiastas que se sintieron como en casa dentro de esos sonidos.
Imagino que antes de decidir ser DJ tuviste que aprender de forma autodidacta cada cosa. ¿Cómo sucedió todo esto? ¿De dónde vino el amor y cómo se fue nutriendo el gusto por hacer feliz a otras personas?
Al principio solía salir mucho a clubes en Múnich. En ese momento había algunos sitios antiguos de fábrica que se convirtieron en lugares para música underground en una especie de uso temporal; el acid house se derramó del Reino Unido y también me entusiasmó el sonido puro de Detroit, que correspondía a mi idea de la música moderna. Durante este tiempo, conocí a personas que estaban entusiasmadas con la misma música bastante rápido, en Múnich, sin duda, Upstart y DJ Hell, pero las escenas en Frankfurt y Berlín también se convirtieron en puntos de referencia importantes. Cuando toqué frente a la gente por primera vez, estaba tan emocionada con la energía que podría liberarse de la cabina del DJ. Y me entusiasmó buscar siempre nuevos discos y compartir mis descubrimientos con el público del club.
Eres alguien que desde un principio ha demostrado su amor por el techno y house de los noventa. Cuéntanos sobre tu sentido de escuchar techno, house y por qué es tan atractivo para ti.
Lo que me gusta es la estética cruda de los sonidos sintéticos analógicos combinados con composiciones rítmicas bastante distópicas: Detroit como punto de referencia había cambiado, las ciudades interiores estaban vacías, decayendo después de que la industria automotriz había declinado. Al mismo tiempo, en Berlín, poco después de la reunificación en Alemania, aparentemente había calles enteras disponibles para apropiarse de ellas para la vida del club. Me encantó este comportamiento de adquisición, una cultura del otro, al igual que el otro lado de la moneda de la industria de la cultura dominante. En cuanto a la tecnología, me encantó esta mentalidad de apropiación. En el club, la gente dejó de escuchar piezas, los sonidos continuaron, la música en la pista de baile fue diseñada para ser infinita, y eso creó nuevos grupos sociales que se entregaron a este tipo de música cada fin de semana, fundamos un círculo de enjambre de entusiastas que se sintieron como en casa dentro de esos sonidos.
Ciertamente, siempre tocas nuevas pistas de varios géneros, y creo que la amplitud es una gran característica tuya, pero es difícil mantener la atmósfera si cruzas el género. ¿Antes llegaste a tener algún problema técnico o mental por cruce de géneros? Y si sí, ¿cómo fuiste cambiando esto?
En cuanto a la cuestión de la conexión entre diferentes géneros: inicialmente trabajé de manera muy intuitiva, buscando conexiones que resultaron de la estética del sonido. Trabajé en una tienda de discos en Múnich, que era muy importante para mí en ese momento. Nadie quería abrir la tienda los sábados, así que la tuve para mí al menos hasta el mediodía, cuando los primeros compradores de discos salieron de sus camas. Así que pude revisar todo el inventario y me pagaban con dos discos por hora, lo que sentó las bases para mi colección de discos. Combiné todo lo que encontré emparejado de una manera interesante o en lugar de emparejar la fricción creada.
La preparación y planificación minuciosa de un DJ es hasta cierto punto una intuición aguda en el campo y nunca son elementos contradictorios, pero con frecuencia estás haciendo series seguidas y durante toda la noche. ¿En cuál de los siguientes pones más peso?
Eso ciertamente cambió cuando comencé a tocar, también digitalmente y no solo vinilo. Con una colección de discos de vinilo, teóricamente estás más limitado porque simplemente no tienes muchas opciones mientras estás en la cabina de DJ. No tiene sentido reaccionar solo ajustándome a la situación en el club, porque entonces no necesitaría tocar allí. Mi contribución sería bastante intercambiable, así que me preparo bien y reaccionaré intuitivamente mientras estoy en el club dentro de un marco preseleccionado claramente definido. Eso es, por supuesto, un desafío en DJ digital, pero creo que es parte de mi trabajo como DJ.
Creo que las fronteras han estado borrosas durante mucho tiempo. Como DJ, los procesos de collage pueden predominar sobre los de componer, pero los procesos de collage también pueden encontrarse en métodos de trabajo más compositivos por parte de los productores.
Con el tiempo lograste convertirte en residente de Ultraschall y Harry Klein. ¿Cómo ves el arte de la residencia hoy en día? ¿Qué tan bueno fue para ti y por qué consideras que los clubes que surgen hoy en día deben tener al menos tres residentes?
Mi tiempo como residente en el club Ultraschall me entrenó enormemente. Guiado por el sistema de sonido y amado por la multitud, sentí una gran confianza en mis decisiones. Allí aprendí mucho y me resultó muy familiar. Ultraschall era mi escuela y mi sala de estar. En algún momento comencé a reservar también a los otros artistas para mis noches habituales allí. Eso, naturalmente, expandió la influencia curatorial en la música en esa noche a otro nivel, toque música junto con amigos que abrirán nuevas perspectivas sobre el sonido. Creo que una situación tan recurrente lo capacita enormemente para definir su propio enfoque con mayor precisión a lo largo del tiempo.
Con tres residentes, me enamoré de que un club puede definir una estética específica y también ofrecer una amplia gama.
Para ti, ¿qué hace exactamente un DJ y por qué debe valorarse de la misma forma en que se valora a un productor musical?
Creo que las fronteras han estado borrosas durante mucho tiempo. Como DJ, los procesos de collage pueden predominar sobre los de componer, pero los procesos de collage también pueden encontrarse en métodos de trabajo más compositivos por parte de los productores.
Por otro lado, estudiaste artes visuales. ¿Cómo la carrera y el aprender de diferentes corrientes vanguardistas, te cambio la forma de ver la música?
También he trabajado como editor de cine durante mucho tiempo y he enseñado en universidades en el campo. La edición de películas trata sobre el ritmo y el ritmo, sentir el momento correcto e intercambiar entre el cerebro y la intuición, y también decidir rápidamente cuál es el fragmento correcto para elegir. Una actividad influye en la otra.
¿Cuál dirías que fue el impacto más grande que tuviste entre relacionar la música con arte y vídeo?
Todo lo relacionado con el montaje, el collage, la estructuración rítmica del tiempo.
¿Cómo dirías que el hecho de estudiar artes visuales fue fundamental dentro del proyecto female:presure?
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female:pressure es una red que tiene tantas facetas como las individualidades de sus miembros, por lo que no diría que estudiar arte visual fue fundamental en la red.
El festival Freedom en Medellín es conocido internacionalmente por la calidad de su programa y es un gran honor ser invitada. De verdad estoy esperando por eso. Estoy entusiasmada con la cultura y la gente colombiana y el encuentro con ellos. También quiero tratar de intercambiar ideas con artistas y tal vez incluso trabajar juntos en el futuro. Veamos.
Los artistas que pertenecen a female:presure tienen diferentes estilos de música que tocan. Pero por eso creo que los miembros están más conectados por la empatía, por las declaraciones y la mentalidad, pero ¿qué crees que es importante construir colectivos y comunidades?
Creo que es necesario acordar cuestiones clave y establecer pautas juntas. Básicamente, los colectivos deben aceptar actuar de manera que todos los que sean minoría se sientan seguros y aceptados.
Pronto estará debutando en el festival FREEDOM y conociendo Colombia por primera vez. ¿Qué la motivo a querer venir a esta otra parte del mundo?
Tengo una gran afinidad con Latinoamérica: he estado en México muchas veces antes, pero nunca con Colombia. Simplemente no había sucedido todavía. El festival Freedom en Medellín es conocido internacionalmente por la calidad de su programa y es un gran honor ser invitada. De verdad estoy esperando por eso. Estoy entusiasmada con la cultura y la gente colombiana y el encuentro con ellos. También quiero tratar de intercambiar ideas con artistas y tal vez incluso trabajar juntos en el futuro. Veamos.
¿Has conversado con Susanne sobre la filosofía del festival y el público asistente? ¿Ves esto importante en tu show?
Para mí, una actitud fundamental hacia la paz y una afirmación de la diversidad de la sociedad siempre han sido principios fundamentales de la música techno y electrónica. Susanne habló muy bien sobre la gente, el ambiente y las demandas artísticas del festival y estoy ansiosa por eso. En tiempos de crisis climática y migración, tengo muchas ganas de conocer gente con una mentalidad abierta y positiva. Por supuesto, esto será parte de mi concepto que presentaré en el festival.
Con esto en mente, ¿prefieres un público que conozca el contexto de música que está presenciando o uno con menos cultura musical que se entregue a la música y disfrute de ella?
Creo que la música y el arte en general, siempre se pueden percibir con un yo informado o un enfoque más físico. Para mí es importante que las personas se abran y escuchen profundamente. Lo dejo a la audiencia cómo hacerlo.
Finalmente, añade un concepto a cada palabra.
COLABORACIÓN: Nuevas perspectivas.
CINE: Caja negra con posibilidades ilimitadas.
PERCEPCIÓN: Curiosidad por nuevas experiencias.
MOVIMIENTO: ¡Adelante siempre, atrás nunca!
INTERESES: Nunca pierdas tu curiosidad.
PIRATERIA: Mata artistas independientes.
ESTADO: Democracia, diversidad y sostenibilidad.
REDES SOCIALES: A menudo, estresante para mí.
LIFE: Colores e intercambio.
SOCIEDAD: Lugar seguro para todos. También para los más débiles.
MUNDO: Es de esperar que esté cerca de un cambio para mejorar.
Entrevista por Mauricio Atencia.
